domingo, 1 de octubre de 2017

Religión Antigua Grecia



CARACTERÍSTICAS
La religión griega era el principal elemento de unidad del mundo griego y tenía las características comunes a la mayoría de las religiones antiguas: politeísmo (creencia en muchos dioses) y naturalismo ( creencia en las fuerzas de la naturaleza). 
También un singular antropomorfismo, es decir, los rasgos muy humanos de sus dioses, tanto en su apariencia física, como en su comportamiento social e individual; mantenían vínculos familiares semejantes a la sociedad de la época. 
La mitología era el conjunto de relatos sobre la vida de los dioses,  quienes eran capaces de amar u odiar, sentir simpatía o aversión tanto hacia otros dioses o hacia los hombres. Tenían las cualidades y los defectos de los seres humanos. Solo se diferenciaban porque eran eternamente jóvenes, no se enfermaban, ni envejecían, ni morían. El único dios viejo y feo, fue Hefaistos (dios del fuego). 
Monte Olimpo
Pero los dioses no eran omnipotentes, no estaban en todas partes (omnipresentes), ni lo sabían todo y tampoco podían ir en contra del destino, llamado Moira.

Los griegos imaginaban a los dioses poblando todo el mundo natural, pero muchos de ellos vivían en el monte Olimpo junto a Zeus, el "rey de los dioses", su esposa Era y algunos de sus hijos y hermanos.

DISTINTAS FORMAS DE CULTO
Se podía dividir la actividad religiosa en a) culto familiar, en honor a los antepasados y a Hestia, diosa protectora del hogar.
b) culto cívico, se rendía a los dioses protectores de la polis, como por ejemplo Atenea.
c) culto panhelénico o nacionales, en ellos participaban los griegos de todas las polis.


Los griegos mantenían con sus dioses una relación formal sin que existiera con ellos un vínculo espiritual. Les rendían culto a través de numerosos actos: plegarias, sacrificios, competencias atléticas y otras manifestaciones de carácter colectivo, tratando de ganar su favor.  

Las ceremonias del culto se realizaban por medio de plegarias, ofrendas y sacrificios de animales. Los sacerdotes dirigían las ceremonias pero no formaban un grupo dedicado exclusivamente a las tareas religiosas.

JUEGOS OLÍMPICOS
Los juegos olímpicos eran las fiestas religiosas más populares, que se realizaba en honor al dios Zeus. Eran tan importantes que los griegos contaban el tiempo a partir de los primeros juegos olímpicos celebrados en el año 776 .C.
Se realizaban cada cuatro años en el santuario de Zeus en la ciudad de Olimpia, en el Peloponeso. La espera entre un juego olímpico y otro se llama Olimpíada.
Durante la semana que duraban los juegos, se decretaba el cese de las guerras y todas las polis (ciudades) enviaban participantes. Solo podían participar personas libres griegos de sexo masculino. Las mujeres no podían ni presenciar los juegos.
Lasa principales competencias atléticas eran carrera, salto, lucha, carreras de carro y una competencia múltiple (pentatlón) que constaba de cinco pruebas: carrera, salto, lucha, lanzamiento de disco y lanzamiento de jabalina.

Los triunfadores en cualquiera de las competencias eran tratados como héroes y coronados con una rama de olivo, los perdedores recibían el menosprecio de sus conciudadanos al punto que algunos jamás volvían a su tierra natal.

DIVINIDADES MENORES
Además de los "grandes dioses", los griegos creían en una multitud de "demonios" a los que atribuían la causa de las enfermedades y todos los dolores.
También adoraban a dioses menores que acompañaban a los principales como las nereidas y los tifones que habitaban el mar, o las musas que acompañaban a Apolo en el monte Parnaso.

Para averiguar la voluntad de los dioses, los griegos interpretaban los sueños, observaban el vuelo y el canto de las aves, los fenómenos del cielo (cometas, eclipses) eran también "signos" divinos, de modo que la mayoría de los fenómenos naturales así como las actitudes humanas constituían presagios.

ORÁCULOS
Los más famosos lugares de consulta a los dioses eran los oráculos. Allí los adivinos se valían del movimiento de las hojas y del burbujeo del agua para "conversar" con los dioses.
El oráculo de Delfos tenía una pitonisa, una mujer que entraba en trance y murmuraba las supuestas respuestas del dios Apolo. Esta consulta era obligatoria antes de fundar una nueva polis.

MISTERIOS
Los cambios ocurridos después de la expansión griega (siglos VIII a.C al VI a.C.) también afectaron la vida religiosa: se difundieron los cultos a los misterios y adquirieron gran importancia dioses populares como Demeter y Dionisos, relacionados a las actividades agrícolas.  
En los misterios, la religiosidad consiste en una actitud de meditación individual en la que el hombre intenta acercarse a los dioses para alcanzar la feliz inmortalidad del alma. 
Fueron la búsqueda de un sentimiento religioso más elevado e intenso a través de ceremonias secretas que reservaban la salvación a los iniciados. Podían concurrir metecos  esclavos.

Las novedades en las prácticas fueron: a) creencia en la doble naturaleza del hombre (cuerpo y alma); b) sentimiento de desampara frente a los dioses; c) creencia en la transmigración de las almas en busca de la liberación del cuerpo y la purificación después de la muerte; d) la salvación se logra por la comunicación o comunión con un dios especialmente los dioses agrarios asociados a la idea de muerte y resurrección; e) para lograr la salvación se exigía la pureza moral.

Los griegos introdujeron a Occidente la idea de salvación, comunión, alma, resurrección, fraternidad y amor, antecedentes de los valores del cristianismo.


LOS DIOSES
Los doce dioses principales, habitualmente llamados Olímpicos, eran Zeus, Hera, Hefesto, Atenea, Apolo, Artemisa, Ares, Afrodita, Hestia, Hermes, Deméter y Poseidón.


Zeus
- Zeus: Era el rey de los dioses. Podía controlar el clima. Su arma más poderosa es el rayo. Los antiguos griegos creían que cuando un rayo caía sobre la tierra, era una señal de que Zeus presente. Zeus también estaba preocupado de la hospitalidad. Si se trataba mal a un invitado o extraño se podía desatar la indignación de Zeus.
- Hera: Es en la mitología griega, reina de los dioses, hija de los titanes Cronos y Rea, hermana y mujer del dios Zeus. Hera era la diosa del matrimonio y la protectora de las mujeres casadas. Era madre de Ares, dios de la guerra, de Hefesto, dios del fuego, de Hebe, diosa de la juventud, y de Ilitía, diosa del alumbramiento. Mujer celosa, Hera perseguía a menudo a las amantes y a los hijos de Zeus. Nunca olvidó una injuria y se la conocía por su naturaleza vengativa.
- Hefesto: Es el dios del fuego y la forja, protector de los herreros, los artesanos, los escultores, los metales y la metalurgia. Era el herrero divino del Olimpo y en su taller fabricaba armas, escudos y otros objetos para los dioses y para los héroes. Del taller de Hefesto robó Prometeo el fuego para los hombres. Hefesto creó la cadena con la que Prometeo fue encadenado a la cima del monte Cáucaso. Hefesto con arcilla modeló a Pandora, la primera mujer.
- Atenea: Es la diosa de la sabiduría, de la razón y de la guerra justa y la protectora de Atenas. No tuvo amores con otros dioses o mortales, por eso se le aplica el apelativo de Atenea «Partenos» (virgen) y se le rinde culto en el Partenón de Atenas.  También se la relaciona con el arte de hilar y de tejer y en la procesión de las Grandes Panateneas las sacerdotisas le ofrecían un manto («peplo») en reconocimiento de su protección.
Sus atributos son el casco, la lanza y la «égida» en la que suele llevar grabada la cabeza de la Gorgona Medusa, para así petrificar a sus enemigos. Se asocia con la lechuza (símbolo de la inteligencia) y el olivo. 
- Apolo: Es uno de los dioses más polifacéticos del Olimpo. Apolo es el dios de la belleza y de las artes, especialmente de la música. También es el dios del sol, la profecía y la medicina. Tenía un oráculo (Apolo Pitio) en el Santuario de Delfos. 
Sus atributos son el arco y las flechas, la desnudez y la lira. Apolo es hijo de Zeus y Leto, y hermano gemelo de Artemisa.
- Artemisa: Diosa de la caza y de los bosques. Hija de Zeus y Leto, hermana gemela de Apolo. La mitología la presenta como una diosa joven y virgen que ha renunciado al matrimonio con dioses o mortales y protege a los jóvenes que han elegido este estado. Se representa como cazadora, con arco y flechas y ciervas o perros.
- Ares: Hijo de Zeus y Hera. Dios de la guerra de carácter salvaje y sanguinario que personifica la fuerza bruta, la violencia y los horrores de las batallas. Atenea, por el contrario, representa la mediación y sabiduría en los asuntos de la guerra y protege a los hombres de sus estragos.
- Afrodita: Es la diosa del amor y la belleza. Fue madre del troyano Eneas, fundador de Roma. Ella era la esposa de Hefesto, pero estaba enamorada del dios de la guerra Ares. Se la representa desnuda o con poca ropa, saliendo del mar, sobre una concha, rodeada de cupidos. 
- Hestia: Era hija de Cronos y Rea y hermana de Zeus. Es la diosa del hogar, estaba presente en el fuego de todas las casas y templos griegos. Nunca interviene en guerras o disputas, permanece siempre en el Olimpo donde también constituía el centro religioso de la casa de los dioses. Hestia era una diosa virgen a la que Zeus le había concedido el don de conservar su pureza. Se representaba sentada o de pie, en actitud solemne y sosegada, sosteniendo una llama en la mano derecha, con un velo que desde la cabeza le caía por la espalda. Su símbolo era el círculo.
- Hermes: Hijo de Zeus y la ninfa Maia. Es el mensajero de los dioses. Dios del comercio y las comunicaciones. Lleva alas como atributos para simbolizar la rapidez con que cumple el encargo de los dioses, un sombrero de caminante, una manta de viaje y el «caduceo» que representa al heraldo o embajador.
- Deméter: Hija de Crono y Rea. Hermana y esposa de Zeus con quien tuvo a Perséfone. Diosa de la agricultura, la fertilidad y la tierra, protectora de los cultivos y las cosechas.
Hades raptó a su hija Perséfone y se la llevó al inframundo. Deméter salió a buscarla y todos los campos de la tierra quedaron estériles. Zeus tuvo que intervenir e hizo que Hades devolviera a Perséfone seis meses al año, momento en que Deméter se siente feliz y los campos florecen. El resto del año Perséfone vuelve junto a su esposo en el Hades y los campos permanecen improductivos.
- Poseidón: Dios del mar, de los caballos y de los terremotos. Vivía en un palacio, en el fondo del océano, construido con coral y gemas. Sus atributos son el tridente y cualquier símbolo marino. 
Era hijo de Crono y Rea, hermano de Zeus y Hades. Cuando el mundo conocido fue dividido en tres partes, Zeus recibió el cielo, Hades el inframundo y Poseidón el mar.






Fuentes: Historia de Primer Año C.B.U.
               Pensar la Historia Primer Año
               AA.VV
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miércoles, 27 de septiembre de 2017

Trabajo de alumnos de Primer Año 2017

MITOLOGÍA GRIEGA

MITO DE DEMETER Y PERSÉFONE














sábado, 2 de septiembre de 2017

Escultura Griega

Para conocer el arte de cualquier cultura, es necesario estudiar sus tres creaciones más importantes: escultura, pintura y arquitectura.
El arte griego se desarrolla entre los siglos VIII al II a.C. A él afluyen corrientes artísticas orientales y egeas, que son absorbidas y transformadas por el espíritu griego.
No obstante, el arte clásico griego se inicia con la aportación de dos grandes corrientes que lo informan, la jonia y la doria, que se reflejan en los órdenes fundamentales de la arquitectura.
La jonia, más femenina y vivaz, aporta riqueza, lujo y proporciones esbeltas. La doria, sobria y robusta, aporta el sentido rígido de la ordenación, severidad en las proporciones y en la decoración.

El arte griego antiguo suele dividirse en tres períodos:

  • Arcaico (siglos X -VI a.C): se caracteriza por el hieratismo, una ordenación geométrica rígida.
  • Clásico (siglos V - IV a.C): aspira al realismo, y a la belleza, pretende expresar la perfección de las cosas de este mundo, buscando una armonía estable.
  • Helenísitico (siglos III - II a.C): se basa en una agitación tumultuosa, expresa el carácter por encima de la belleza. 

El arte griego copió de otras artes, en especial de las civilizaciones más antiguas y desarrolladas, como las de Egipto y Mesopotamia. y ocasionalmente al de Micenas, pero pronto los griegos empezaron sus propias creaciones independientes.

La situación del artista era muy especial ya que los griegos consideraban  al trabajo manual como de poca categoría. En realidad esa mentalidad aristocrática no se abandonó, ya que siempre fueron más cotizados socialmente a los literatos que a los artistas plásticos.
Los artistas trabajaban según planes inteligentes y claros, mientras que los clientes sabían de antemano lo que querían obtener.
Ni siquiera existía una palabra para denominar al artista o al arte como tal.

El arte podía ser un instrumento político, podía ser una herramienta para exaltar valores patrióticos, para prestigio del gobernante, y prestigio frente a otra polis, y también era una fuente de trabajo.

La figura humana es el principal motivo tratado por el escultor griego, lo animal y lo vegetal están en función de la representación humana.

ESCULTURA
PERÍODO ARCAICO
Se atribuye a Dédalo, escultor y arquitecto legendario, la invención de la escultura y del inicio de la primera escuela artística en Creta, dórica.
En esta época, el hecho fundamental es la aparición de la escultura de bulto redondo (representada en tercera dimensión), con formas femeninas y masculinas, que tienen bastante parecido con el arte egipcio.
Las estatuas femeninas tiene trajes y sus brazos se apegan al cuerpo, mientras que las estatuas masculinas, se representan  completamente desnudos, con los puños unidos a los muslos y con la pierna izquierda avanzando.

Las Korai (o Kore) son figuras femeninas muchas veces vestidas con Peplos dóricos, pero casi siempre con la túnica de lienzo transparente y manto jónico, llevando en sus manos flores, frutas o palomas.
El paralelismo entre las korai y los kuroi ha hecho buscar alguna costumbre femenina que pudiera representar algo digno de premio, parecido a los juegos varoniles, o quizás eran ofrendas de mujeres casadas, destinadas a la fertilidad.
Ninguna de estas estatuas parecen no haber tenido una finalidad religiosa o tuvo que ver muy poco con las tradiciones del culto.
Ejemplos: 
DAMA DE AUXERRE (630 a.C) de 60 cm. Esta estatuilla femenina, (Koré) de Auxerre (Francia) probablemente hallada en Creta. Es de piedra caliza, y hoy se encuentra en el Museo del Louvre, París.
En ella se observa una estricta frontalidad, con una parte inferior en forma de columna, y un cuerpo superior diferenciado. Su rostro tiene forma triangular.
Representa probablemente a una diosa, lleva un vestido adornado con meandros, tiene un cinturón, y sobre los hombros tiene un manto.
  Así habría lucido la escultura en sus inicios, ya que todas las obras eran pintadas con colores vivos.






KORE DEL PEPLO (hacia el 530 a.C) Se mantiene la frontalidad pero con mayor armonía gracias a la suavidad de los contornos.
Esta muchacha sostenía la mano izquierda extendida, que ahora le falta, con una ofrenda para la diosa de la ciudad de Atenas (Atenea). A pesar de la rígida frontalidad, la figura parece ligera de construcción. Las formas del cuerpo se dibujan claramente bajo el vestido. Tenía también un bello colorido, que hoy han desaparecidos.
 




Los Kouroi, designaba a los estatuas de jóvenes desnudos, hechos de piedra y bronce, no representaban a dioses ni eran retrato de personas, seguramente eran estatuas veneradas para obtener triunfos deportivos y buenas cosechas.
Desde el año 544 (Olimpíada 59) se levantaban kouroi vencedores en los juegos, y sólo cuando un atleta lograba tres victorias consecutivas, se hacía una representativa del ganador.
Ejemplo:
KOUROS DE SUNIÓN (hacia el 600 a.C) La rigidez frontal anula el leve giro hacia la derecha de la gigantesca figura, producido por su colocación en una pendiente inclinada. Su rodilla es un trapecio invertido,  con poderosos músculos pectorales, muslos, pantorrillas y brazos. Domina la cabeza sobre el resto del cuerpo, con grandes ojos.

KOUROS DE ANAVISOS (siglo VI a.C) Si se compara con los Kouroi anteriores se ven varias diferencias fundamentales. La forma tabloide desaparece al dar mayor volumen al tórax, con una columna vertebral en forma de S. El antebrazo no se gira ya hacia adelante, sino que toma una posición más natural, con la palma de la mano hacia el cuerpo. Las piernas están bien modeladas y con los dedos de los pies que ya no siguen una línea decreciente.


Con el paso del tiempo se hacen otras observaciones, los músculos abdominales ahora cuenta con sólo dos líneas transversales y se dibujan mejor los músculos del cuello, las clavículas con forma de S, la cara tiene rasgos más naturales, con detalles en las orejas y repliegue interior de los ojos.

PERÍODO CLÁSICO
A los lentos principios representados por el período arcaico, sucede el siglo V a.C, en el que la plástica griega alcanza su máxima perfección, el arte clásico por excelencia. Período en el que brillan escultores como Mirón, Fidias y Policleto.
Los artistas presentan la figura humana de una manera naturalista, incluso trataban a los dioses con el mismo espíritu.
El desnudos, es una forma artística inventada por los griegos, según el historiador Kenneth Clark, ya que sus raíces son de la época arcaica, cuando se competía desnudo en los juegos, y era uno de los rasgos distintivos de los griegos frente a los bárbaros.
Durante más de un siglo los desnudos eran solo masculinos, recién en el siglo V aparece el desnudo femenino pero no floreció realmente.
Se disminuye la frontalidad arcaica estática, hay una nueva concepción del hombre durante el clasicismo, producida en Atenas, no es casualidad que sea allí, ya que existía la libertad política, con su democracia, con una nueva auto conciencia, que hacía sentir al griego como una individualidad. Tras esta nueva imagen del hombre está la idea del hombre libre ante el dios libre. Se humanizan los dioses y para distinguirlos de los humanos, lo representan de forma monumental (enormes).
La característica fundamental de este período es la representación del Hombre e interpretación de la belleza, fidelidad a la naturaleza, libertad de expresión, equilibrio y armonía de las formas.

Ejemplos:
EL AURIGA DE DELFOS
Se la suele atribuir a Pitágoras de Rhegio, basado en el hecho de la expresión de las venas en la escultura.
Es un espléndido bronce, descubierto en Delfos, en 1896, dividida en tres partes. También se han hallado un caballo y restos de una Victoria (diosa).
La figura mide 1,80 metros de estatura, tiene los ojos de pasta de vidrio con los tres tonos, negro, castaño y blanco, y sus pestañas tienen un excepcional realismo ya que son pequeños pelos metálicos soldados individualmente.


EL DISCÓBOLO
Escultura realizada por el gran Mirón, que aunque nació en Beocia, el se consideraba ateniense, y por eso firmaba sus obras como Mirón ático. Considerado el escultor del movimiento.
El original de esta obra, que originalmente era de bronce, se ha perdido. La que se conoce es una réplica romana, como la de tantas otras obras griegas.
La copia más famosa está en el Museo de Termas en Roma, descubierta en 1906, y mide 1,38 metros de altura.
Se trata de un atleta en el momento que mejor puede expresarse el movimiento latente. Se rompe la frontalidad del período anterior.
Cada movimiento está tensado al máximo, los dedos de los pies se agarran al suelo, resaltan las venas y los nervios del cuerpo, la reproducción de la musculatura, es perfecta, sobria y contenida; sin embargo el rostro es inexpresivo.

EL DORÍFORO
Realizada entre los años 450 y 425 a.C, por el gran Policleto, esta obra también es conocida como el "Canon", ya que el autor fija una proporcionalidad entre las distintas partes del cuerpo humano, tratando de llegar a la perfección, en la que una escultura debía ser necesario que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen.
Esta obra de arte, fue realizada en bronce, pero sólo quedan réplicas romanas realizadas en mármol. Mide unos 1,99 metros de altura.
Policleto hizo gravitar todo el peso del cuerpo sobre un solo pie en avance, mientras el otro tocaba el suelo con los dedos. Se trataba de un lancero que debe avanzar pero que demuestra tranquilidad y seguridad.
     


ATENEA PARTHENOS
Recreación de Atenea
Estatua magnífica realizada por Fidias, posiblemente el mejor escultor de la Grecia clásica, ya que aporta la perfección técnica, y aunque no hay ninguna obra original, y muchas de las que se conocen, se cree que son de su autoría.
La diosa que se ubicaba en la cella del templo, conocido como Partenón, contaba con unos 10 metros de estatura, llevaba un casco dorado con grifos y una esfinge; la égida y su coraza, con una medusa sacando la lengua. Con la mano izquierda sostenía el escudo y la lanza, y en su mano derecha llevaba una estatua de la Victoria. Esta mano debía mantenerse con una pequeña columna, dada la enormidad de la estatua.
La diosa tenía rizos que le caían sobre la espalda, y se decoraba con collar y brazaletes. Los pliegues de su Peplo (vestido) caían verticales desde su cintura.
Según varios autores contemporáneos a la escultura, ésta estaba realizada en madera y revestida con oro y marfil, siendo sus ojos dos grandes esmeraldas que se reflejaban con la luz que sólo podía entrar desde la única puerta de entrada al templo.
Se sabe ciertamente, que en año 375 de la era cristiana, la escultura seguía en pie, pero es posible que haya sufrido en un incendio ocurrido entre el 42 y 485.
Lo que se sabe con seguridad es que sufrió varios robos, hasta su propio escultor, Fidias, fue acusado, por la Asamblea Popular, de robar algunos materiales de la estatua, por lo que debió abandonar Atenas. Se supone que la acusación fue injusta, debido a su estrecha amistad con el estratega Pericles, justo en el momento en que la polis de Atenas, sufría una profunda crisis.

EL APOXIOMENO
Esta obra puede considerarse como la transición del arte clásico al helenístico, ya que fue realizada hacia el 320 a.C. Su autor es Lisipo, quien introdujo un nuevo canon de belleza en la escultura, con proporciones más alargadas, mayor naturalismo y un nuevo sentido en las dimensiones.

Esta escultura fue hallada en Roma en 1849, y hoy se encuentra en el Museo del Vaticano.
Es una obra que de mármol de unos 2.05 metros de altura, siendo seguramente una copia, de un original realizado en bronce.
Se trata de un atleta desnudo, con cabellos desordenados sobre la frente, ojos fatigados, limpiándose el polvo y sudor con la estrígila. Sus piernas están separadas y parece oscilar hacia el pie derecho, cuyo talón está elevado del suelo, con los brazos hacia adelante, presentando un acentuado escorzo (posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual).
Ya no se presenta un atleta en el momento de la acción, como el Discóbolo, sino que expresan los trabajos y esfuerzos de la competición.
Comparación entre Doríforo y Apoxiomeno
PERÍODO HELENÍSTICO
La expedición de Alejandro Magno desplazó los centros de cultura hacia las nuevas capitales del helenismo, en el arte, se ve reflejado, en un abandono cada vez más acentuado del idealismo del período clásico, y se va hacia un realismo y expresión de movimiento.
Refleja un tiempo de extraordinaria vitalidad. Aquella serenidad fue sustituida por la animación, actitudes teatrales y sentimientos.

VICTORIA DE SAMOTRACIA
Es una de las pocas obras auténticas, cuyo autor es desconocido y se supone que fue realizada entre los años 306-294 a.C. En la actualidad se encuentra en el Museo del Louvre, Francia.
Cuenta con casi 2 metros de altura, y cuenta con una calidad excepcional del modelado con un detallismo con soltura y energía, una Victoria que avanza contra el viento, que provoca que su vestido se adhiera al cuerpo y un cinturón acentúe las formas del cuerpo. Es el triunfo del movimiento.
Museo del Louvre

Se supone que la Niké (la Victoria) llevaba en su mano derecha una trompeta y en su izquierda un stylis (pieza de un navío)
Esta pieza fue hallada en 1863 en unas excavaciones realizadas por el cónsul francés en  Adrianópolis, M, Champoiseau, en la isla de Samotracia. Dieciséis años después, en otra excavación, se recuperó el pedestal en forma de navío. Ha sido restaurada su ala derecha y el hombro y seno izquierdos.

LAOCOONTE
Esta obra original, seguramente labrada en Rodas, fue encontrada en el año 1506, en las ruinas del palacio de Tito, en pleno fervor renacentista, y fue adquirida por el papa Julio II para el Vaticano
Se supone que esta obra fue realizada por Ajesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, y mide unos 2,42 metros.
Representa al Laocoonte, un sacerdote de Troya, y sus hijos, siendo atacados por una serpiente y representa una escena de gran patetismo y tristeza, típica del arte helenístico.
Está compuesta por siete piezas, fue restaurado por primera vez en el año 1532, en el que se le añadió, el brazo derecho y en 1730, se labró los brazos de los niños, que también faltaban.













VENUS  DE MILO
Esta escultura, seguramente tallada entre los siglos II y I a.C, fue encontrada en 1820 enterrada en la tierra, de la capital de la isla griega de Milo. Está labrada en dos bloques de mármol y mide unos 2,04 metros. En la actualidad se encuentra en el Museo del Louvre, Francia.
En la base de la estatua, existía una inscripción, hoy perdida, por lo podría deducirse que su autor era un Agesandro o Alejandro de Meandro.
Cuando la obra fue encontrada en Melos, figuraban junto a ella otros fragmentos de escultura, y una mano con una manzana, pero esto no ha sido suficiente para caracterizar a la escultura. Se supone que un brazo en alto sostendría un tridente.
Algunos estudiosos del arte han sostenido que se trata de un retrato. Pero más allá de eso, la escultura es un ícono del arte mundial.

























Fuentes: "La constante Clásica". Prof. Marcel Suárez
             Historia del Arte. José María de Azcarate
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miércoles, 2 de agosto de 2017

Islám


El Islám es la tercer religión monoteísta del mundo, siendo Mahoma, su profeta. La palabra Islám significa "sometimiento a Dios". 
Esta religión nació en Arabia, región en la que en el siglo VII, dominaban los bizantinos y los persas, y en la que habían continuos conflictos.
Allí vivían los beduinos, organizados en tribus, y se encargaban del comercio de intermediación entre Oriente y Occidente, siendo las ciudades de Yathrib y La Meca, ambas eran pasos obligados para las caravanas de comerciantes, siendo además La Meca un centro de peregrinación religiosa.

Mahoma, nacido aproximadamente en el año 570, era miembro de una familia de comerciantes que había recorrido toda la región y conocía a judíos y cristianos. Tenía unos doce años cuando se enroló por primera vez en la caravana con su tío, y era el encargado del cuidado de los camellos. 
A los veinticinco años se casó con Jadicha, una viuda rica que tenía unos 42 años, con la que tuvo cuatro niñas y dos niños. Los varones murieron de forma prematura. Mientras vivió Jadicha, Mahoma no tomó a más mujeres como esposas; más tarde contaría incluso con un harén, aunque en todos los casos se trató de matrimonios por razones políticas.

Hacia el año 610 Mahoma tuvo las primeras revelaciones. Tenía por costumbre retirarse a orar y a meditar en una cueva del monte Hira, y en ocasiones solía dormir allí algunas noches. En una de las primeras ocasiones tuvo la visión de un ser glorioso que en un primer momento identificó como Dios, y en otra visión  pensó que era el arcángel Gabriel. Este ser glorioso le dijo que escribiera el Corán.  

Mahoma empezó a predicar entre su familia, pero en el año 622, debió huir hacia Yathrib, conocida desde entonces como Medina, la ciudad del profeta. Este evento es conocido como la hégira y marca el nacimiento del Islám.

A sus seguidores se presentó como el último profeta, reconocía el mensaje trasmitido por Moisés y Jesucristo, pero sólo como antecesores porque consideraba que no conocían aún la verdad plena.

Esta nueva religión se basa en las enseñanzas de Mohama, contenidas en el Corán, trasmitido oralmente, y escrito unos cuantos años después.
El Corán es el libro sagrado de los musulmanes, y recoge las palabras de Mahoma que fueron reunidas por algunos de sus discípulos. También tiene mucha importancia la sunna, la tradición que recoge los episodios de la vida de Mahoma y consejos del profeta.
Su templo se llama Mezquita. Es una religión rigurosamente monoteísta y sus principios son sencillos.

Se establecen cinco deberes que todo musulmán debe cumplir:

1-Profesión de fe. Cada musulmán debe expresar su fe incondicional a Dios con la fórmula "no hay más Dios que Alá y Mahoma es su profeta". Pronunciando esta frase se ingresa a la religión.

2-Rezar cinco veces al día. Se realiza en dirección a la Meca

3-Limosna. Se terminó transformando en un impuesto para los pobres.

4-Ayuno. Se realiza durante el mes de Ramadán. No se ingieren ni comidas ni agua durante el día, si lo pueden hacer en la noche.

La Kaaba
5-Peregrinación a la Meca, aunque sea una vez en la vida. Esta ciudad tiene la tradición pre-islámica de adoración a la piedra de la Kaaba, una piedra, que era originalmente blanca, pero que se puso negra por los pecados de los hombres.

Otras obligaciones son: No comer carne de cerdo ni beber alcohol. No participar en juegos de azar. Contribuir a la expansión del Islám.

La prédica de Mahoma contribuyó a formar la umma, la comunidad religiosa musulmana.
La nueva religión se fue extendiendo por la Península Arábiga; en el año 630 ocuparon la Meca,  y gracias a eso, las tribus beduinas se incorporaron rápidamente a la nueva religión.
Cuando Mahoma muere, en el año 632, ya toda la península estaba unificada bajo su autoridad.

EXPANSIÓN DEL ISLÁM
A la muerte de Mahoma, la religión islámica se expandió con rapidez bajo la dirección de sus sucesores que fueron llamados Califas (representantes).

Los primeros Califas fueron compañeros de Mahoma en las luchas por imponer el Islám, por lo que entre los años 632 y 661 se unificó toda la península Arábiga y se conquistó Siria, Palestina y el norte de lo que hoy es Egipto.

Con la dinastía Omeya se extendieron por todo el norte de África, la península Ibérica (España cae en el 711) y el corazón de Asia.

Con la dinastía Abasida se apoderaron de la isla mediterránea de Sicilia.

Esta rapidez se debió al convencimiento de que Dios les guiaba y a la tolerancia de los musulmanes que permitían mantener su religión a los pueblos dominados a cambio de un tributo.


APORTES DEL ISLÁM
La expansión de esta religión produjo la difusión de una nueva civilización, fundando además nuevas ciudades como Fez, Túnez, El Cairo y Bagdad. 
De esta forma se mezclaron las distintas culturas, aportando a Europa, la ciencia, cultura y comercio desde Oriente.
Difundieron los cultivos de arroz, caña de azúcar, algodón, azafrán, árboles frutales como limones, naranjas y duraznos; también productos de huerta como las berenjenas y las zanahorias.

Como es un pueblo del desierto, el cuidado del agua es fundamental, por lo que eran grandes constructores de canales y cultivos por irrigación.
También introdujeron a Europa inventos chinos como la pólvora, la brújula, el astrolabio. En matemáticas aportaron el signo para representar el cero, se destacaron en álgebra, astronomía, medicina, química, geografía y navegación.
El idioma castellano está lleno de palabras de origen árabe, tales como:  aceite, almohada, aceituna, alfombra, aduana, arroz, baño, barrio, bata, balde, café, cifra, chaleco, chisme, dado, daga, escabeche, fideo, fulano-na, hola, hazaña, hasta, jinete, jirafa, jarra, jota, limón, lima, leila, latón mezquino, nácar, naranja, olé, ojalá, paraíso, quiosco, quilate, rehén, rubia, ronda, rincón, sandía, serafín, tabique, taza, tambor, talco, taifa, tarima, valija, zanahoria.

EL ISLÁM EN ESPAÑA
España cae bajo el dominio de los Omeyas en el año 711, transformándose la Península Ibérica en una provincia musulmana llamada Al-Andalus.
Fundaron nuevas ciudades, tales como Córdoba, Sevilla, Toledo, Alemería, Granada, en las que construyeron palacios, mezquitas, escuelas y bibliotecas. 
Alhambra, en Granada


Desde España se extendió esta cultura al resto de Europa, gracias a que el  mundo cristiano y el musulmán no estaban separados, a los que también se encontraban los judíos. 

En el siglo X se formó el Califato de Córdoba, independiente de los otros reinos árabes. La capital, Córdoba, se convirtió en el centro de una brillante cultura y su influencia artística y económica se extendió más allá de los territorios musulmanes.

Los cristianos emprendieron una guerra religiosa llamada Reconquista, que durará hasta el año 1492, expulsando a los últimos moros (musulmanes) de la Península Ibérica.



Fuentes: Libro Pensar la Historia 1er Año
             AA.VV
            Imágenes de Google

martes, 4 de julio de 2017

JOSÉ BATLLE Y ORDÓÑEZ


Cuando el nombre de alguien llega a ser identificado con una época, sin dudas merece un reconocimiento. Fue dos veces presidente de la República (1903-1907 y 1911-1915) fue filósofo y periodista. Aquí se detallarán partes más importantes de su vida, más allá de su aspecto político.

José con su padre Lorenzo Batlle
Batlle y Ordóñez, nació el 21 de mayo de 1856, en las actuales calles Yaguarón y Lima; fue bautizado dos años después, con el nombre completo de José Pablo Torcuato Batlle Ordóñez. Su padre, el ex presidente de la República (1868-1872) Lorenzo Batlle y Grau, y su madre Amalia Ordóñez Duval, tuvieron además a Luis Batlle y Ordóñez.

Su educación comenzó en su casa bajo la dirección del maestro Pereira Núñez y continuó en colegios ingleses; el de Mr. Beard, primero, el de Mr. Adams después. En ambos, recordará Batlle más adelante, se prestaba especial atención al aprendizaje del idioma inglés: "hasta cuando nos peleábamos se nos obligaba a hacerlo en inglés". Hizo los estudios preuniversitarios en el Colegio de los Padres Escolapios y a los diecisiete años ingresó en la Universidad. Terminado el bachillerato, comenzó la carrera de Derecho, que abandonó cuando sólo le faltaban tres o cuatro exámenes para obtener el título de abogado.
Hasta los 20 años, por tradición familiar, Batlle fue católico; hacia 1876, en el marco de los cambios ideológicos que agitaron a la intelectualidad uruguaya y, especialmente a la juventud estudiosa, adhirió al racionalismo espiritualista: 
"A los 19 años de edad era católico, esto es, no había abandonado la religión en que me había criado. Mis padres eran católicos, pero con un catolicismo que no iba a la iglesia ni andaba con curas. A mi se me había enseñado el Padre Nuestro, que aún recuerdo y llegué a saberlo también en inglés, aprendido en un escuela protestante; el Credo, que no recuerdo bien, y nada más. Se trató de hacerme confesar cuando tenía ocho o diez años; pero el poco empeño de mis padres en que lo hiciera, dieron por resultado en que no se realizase aquel acto. No recuerdo haber hablado, en mi niñez, con más curas que el Padre Estrázulas, muy conocido entonces, pues administraba la homeopatía y algunos otros remedios y solía asistirme cuando yo estaba enfermo.
A los veinte años o entre los veinte y los veintiuno yo había dejado de ser católico. Por primera vez, en aquel tiempo, examiné mi religión; y la reputé absurda(...)"

VIDA PERSONAL
La  mujer de su vida fue Matilde Pacheco, nacida el 21 de setiembre de 1854 en Buenos Aires, viuda del primo hermano de Batlle, llamado Ruperto Michaelson, con quien había tenido cinco hijos: Matilde, Ruperto, Juan Luis, Guillermo y Carlos, pero que había sido abandonada por su marido.
José Batlle, por el pedido de su padre Lorenzo, era el encargado más de una vez de cuidar a Matilde quien padecía de insomnio permanente por el abandono de Michaelson.
José y Matilde siempre se llevaron bien pero no se sabe cuando comenzó su unión, ni cuando comenzaron a convivir, pero estuvieron en concubinato al menos una década. La sociedad montevideana les hizo saber con crueldad la precariedad legal en la que vivían, aprovechando también los odios políticos que despertaba; era muy común que en los lugares que ingresaba Matilde, las "señoras decentes" se retiraran.
Tanto que César, Rafael y Amalia Ana no fueron inscriptos en el Registro de Estado Civil en las fechas en que nacieron, y hasta la partida de defunción de Amalia Ana indica que se produjo el 8 de febrero de 1894, a los catorce meses de edad, y que era hija natural de Don José Batlle de 38 años, el nombre de Matilde no se menciona, debido a no estar casados.
Finalmente se unieron en matrimonio el 29 de setiembre de 1894, un año y dos días después de la muerte de Michaelsson, y dos meses antes del nacimiento de Ana Amalia.
Batlle y Matilde también tuvieron cinco hijos en total, César (1885), Rafael (1887), Amalia Ana (1892, muriendo a los 16 meses de edad), Ana Amalia (1894, fallecida a los 18 años) y Lorenzo (1897). A su vez adoptarán a una niña.
       

Batlle medía 1,92 m y pesaba 150 kg; padecía obesidad de Barraquer o síndrome de Barraquer-Simon, una enfermedad que despierta en la niñez y que progresa lentamente. Se caracteriza por la alteración de la distribución de la grasa, que se concentra casi exclusivamente en la mitad inferior del organismo, y se supone que quien padece esta enfermedad van perdiendo tejido adiposo subcutáneo en cara, cuello, hombros, brazos, antebrazos, tórax y abdomen y lo acumulan desproporcionalmente en caderas y piernas. Esto explicaría por qué Batlle siempre aparece en las fotografías vestido con sobretodo o con levita, en épocas en que esta última prenda había dejado de usarse, "yo visto a la antigua", decía, justificando sus sobretodos. Algunos de sus hijos heredarán esa patología.

VIDA PÚBLICA
Incorporado a la juventud racionalista que surgía como sucesora de la que había sostenido el Club Racionalista de 1872, Batlle publicó en La Razón (diario fundado en 1873, dirigido por Daniel Vázquez y los redactores Prudencio Vázquez y Vega y Anacleto Dufort y Alvarez) los poemas titulados "Mi religión" y "Cómo se adora a Dios" en los que expresaba el sentimiento deísta, tal como lo concebía el racionalismo espiritualista.
A fines de 1878 y 1879, integró la redacción de la revista El Espíritu Nuevo, con mayoría de jóvenes estudiantes de Medicina y Derecho; publicando un único trabajo en prosa: "La pluralidad de los mundos habitados" y cinco poesías, con el mismo espíritu deísta. También en este tiempo (de mayo a agosto de 1879) actuó en la Sección de Filosofía del Ateneo, ocupando la Vicepresidencia de la misma, mientras que su íntimo amigo y mentor espiritual, Prudencio Vázquez y Vega desempeñaba la Presidencia y Francisco Soca la Secretaria.  

El motivo de la primera suspensión de sus estudios fue un viaje a Europa que realizó en compañía de su amigo Ramón López Lomba. El idea original era participar en una expedición científica al interior de África, que según informaba la prensa se organizaba en París, pero cuando los jóvenes llegaron a la capital francesa, el 15 de noviembre de 1879, se enteraron de que la exploración referida había sido suspendida, quedándose en la ciudad, donde Batlle asistió a conferencias y siguió algunos cursos, como Filosofía en la Universidad de la Sorbona, quedándose en Francia por dos años.
A su vuelta, inmediatamente, se reintegró a la actividad periodística, en La Razón, dirigida por Daniel Muñoz. El Plata, al frente de Carlos María Ramírez, El Heraldo y la Idea, conducidos por los colorados Julio Herrera y Obes y Eduardo Flores, el hijo de don Venancio, encarnaban la oposición al régimen santista.

El 20 de mayo de 1881, unos exaltados partidarios de Santos asaltaron las redacciones y talleres de La Razón y El Plata (ambos constitucionalistas) deteriorando las máquinas y destruyendo el mobiliario y los archivos. Después de estos atentados, donde resultó muerto el obrero gráfico José Fontán, Prudencio Vázquez y Vega le ofreció a Batlle y a Anacleto Dufort y Alvarez la dirección de La Razón, pero no aceptó por tratarse de un periódico constitucionalista, aunque accedió a integrar su Redacción, hasta el 30 de marzo de 1882, en que Daniel Muñoz regresó de Buenos Aires y reasumió la Dirección.
Poco después Batlle se hizo cargo de la Dirección de La Lucha, convirtiéndose en un importante vocero de la oposición. Pero sus propietarios, amedrentados, resolvieron clausurarlo para evitar represalias del régimen de Santos.
Batlle quedó entonces privado de toda actividad periodística hasta que en 1885 volvió La Razón, junto con Teófilo Daniel Gil, quien había sido su socio en un estudio jurídico hasta poco después de su regreso de Europa, cuando rindió algunos exámenes de su carrera, antes de abandonarla definitivamente.
Batlle había decidido concurrir a las funciones del teatro Solía cada vez que lo hacía Santos, provocando una situación que molestaba a este y a sus acompañantes, entonces, para evitar un seguro incidente, Daniel Muñoz, Director de La Razón, suspendió la entrega de entradas para el teatro por lo que Batlle dejó la Redacción.
Pero ya entonces se estaba preparando la Revolución de Quebracho, en cuya preparación Batlle participó desde el primer momento; formó parte de la Asociación Revolucionaria, junto a Teófilo Daniel Gil, Camilo Williams, Anacleto Dufot y Alvarez, Juan Campisteguy, P. Vázquez Vega y su hermano Luis Batlle y Ordóñez entre otros; y en noviembre emigró a Buenos Aires, donde tuvo a su cargo un centenar de hombres. La revolución fracasó, murieron algunos íntimos amigos de Batlle, él fue hecho prisionero y luego liberado junto a otros revolucionarios.

El 16 de junio de 1886, aparece su periódico El Día, siendo el primero en ser de venta libre y no por suscripción. Desde sus páginas, Batlle hará una prédica demoledora, ella fue motivo de una orden de prisión (el pretexto fue una protesta del Ministro Plenipotenciario del Reino de Italia) que también afectó a los directores de otros órganos de la oposición, que fueron sometidos al Juzgado del Crimen. En la oportunidad, el último en ser liberado fue Batlle, primero estuvo preso en el Cabildo y después en la Cárcel correccional y penitenciaria. 
Batlle en la redacción de El Día
Producida la llamada "Conciliación de Noviembre", Batlle retornó al país y recomenzó la prédica en El Día; cuando el diario La Situación, convocó al pueblo para despedir a Santos, Batlle provocó la airada protesta.
El 13 de mayo de 1887, Tajes lo designó Jefe Político de Minas, cargo al que renunció para presentar su candidatura a Diputado por otro departamento; antes de su renuncia, en julio, había dejado de aparecer El Día. Lo reabrirá el 19 de diciembre de 1889, integrando su dirección junto a Juan Campisteguy y Abel J. Pérez; convertido en órgano del Partido Colorado, sostendrá la candidatura del Dr. Julio Herrera y Obes.

Algunas actitudes de Herrera, determinaron que Batlle pasara a la oposición y que realizara una intensa campaña en pro de la democratización del Partido Colorado. En febrero de 1901, ingresó a la Cámara de Diputados, representando al departamento de Salto.
Durante la Administración de Idiarte Borda, sin cargo legislativo, se mantuvo en una cerrada oposición y desarrolló una activa campaña política que le valió la Presidencia de la Junta nombrada el 2 de agosto de 1895, en la Asamblea realizada en el teatro Odeón.

Producida la revolución blanca de Aparicio Saravia en 1897, la policía, el 10 de mayo, clausuró El Día; dos días después, Batlle en otra imprenta, comenzó a editar El Día Noticioso, que salió hasta el 4 de setiembre de ese año.
Desde sus columnas, bregó por la paz, a la que consideraba "una necesidad absoluta", a la vez que criticaba a quienes la reclamaban "sin dar sus lineamientos", "en bloque", sometiendo al país al riesgo de que solo se lograra "un prolongado armisticio después del cual van a estallar las hostilidades con mayor ímpetu y crudeza".
A partir del gobierno de Lindolfo Cuestas, Batlle realizó su hábil y tenaz acción política que lo condujo a la Presidencia de la República el 1ro de marzo de 1903; cargo que volverá a ocupar entre 1911 y 1915.

DUELO CON WASHINGTON BELTRÁN
Después de haber sido dos veces presidente de la República, y seguir siendo la figura política más importante del país, el 2 de abril de 1920, se retará a duelo con Washington Beltrán
Beltrán era fundador, propietario, director del diario El País de Montevideo y dirigente del Partido Blanco y había publicado días antes un artículo muy contundente contra José Batlle:"¡Qué tupé, el rey del fraude acusa al Partido Nacional!".
El viernes Santo, Batlle mandó sus padrinos a Beltrán, que aceptó el duelo. Ambos eran ateos, e incluso Beltrán prohibía que la palabra Dios se publicara en su diario con mayúscula. La mañana de su muerte, Washington Beltrán, de 35 años se vistió con una camisa blanca y ropas claras y, con una raqueta de tenis para no alarmar a su esposa embarazada, aduciendo que iba a jugar a un deporte por el que jamás se había interesado.
En la cancha del parque Central de Montevideo, esperaba Batlle, de 63 años. Este no era su primer duelo.
Los padrinos repartieron las pistolas y fijaron el lance a 40 pasos y dos cargas. A la palmada del padrino, ambos abrieron fuego, sin acertarse; tras la segunda palada, recargadas las armas, el director del diario El País fue herido de muerte.
El duelo fue un secreto a voces para la sociedad montevideana. Batlle podía ser considerado reo de homicidio con atenuantes, según el Código Penal de 1889. Para evitar la condena, el 6 de agosto de 1920 se promulgó la Ley 7.253, reformando varios artículos del Código y reglamentando el duelo, con efectos retroactivos. La ley determinaba que producida la supuesta ofensa, los padrinos de ambas partes debían conseguir una solución amistosa evitando el duelo. Si fracasaban en el intento, debían formar un tribunal de honor con tres miembros: uno por cada padrinato y un tercero pactado entre los dos primeros. Este tribunal dictaminaba si existió o no la ofensa, y autorizaba o prohibía el enlace.
Si el duelo se efectuaba, se celebraba a sable o espada, o a pistolas y a dos cargas, siempre que no sean precisión o repetición. El enlace sólo puede hacerse a primera sangre, pero si de ella se infiriese la muerte de uno de los duelistas, el sobreviviente queda exento de persecución penal.

Después de este duelo, José Batlle y Ordóñez nunca más se batió a duelo con nadie.

EL FINAL DE SU VIDA
Tres generaciones: José, Luis y Jorge Batlle
Ya con 73 años, Batlle se interna en el Hospital Italiano, el 18 de setiembre de 1929, al cuidado de las Hermanas Capuchinas para ser intervenido quirúrgicamente de la próstata. Se despide de su familia y desde su quita de Piedras Blancas se va hacia el hospital, acompañado de su hijo Rafael, Mendieta, sn moreno y fiel asistente, y también por su íntimo amigo Domingo Arena.
El día 20 de setiembre por la mañana se realizó la primera operación (la talla vesical que será la única) realizada por Surraco, durando sólo 15 minutos. Surraco no encuentra nada de temer y es optimista.
Batlle se repone totalmente, hablando mucho, pero tosía con frecuencia, con ahogo, haciendo como siempre las reiteradas aspiraciones de mentol.
Aunque muy recuperado solo ansiaba volver a su hogar, pero faltaba mucho tiempo para hacer la segunda operación, por eso se reservó un departamento en el Parque Hotel, donde esperaría el plazo de dos o tres meses para hacer dicha segunda operación, la prostatectomía. 

El 20 de octubre de 1929, su sobrino Luis Batlle Berres lo encuentran tan bien que se retira cerca de las 12. Arena, siempre a su lado, también lo encontró tan bien que se fue a las 12. Fue a almorzar a lo de un hermano. Al sentarse a la mesa, suena el teléfono para anunciarle que Batlle no estaba bien. Llega al hospital donde lo recibe el doctor Carlos Stajano que le da la triste noticia. Un segundo episodio de hemorragia cerebral.
Al quedar solo con Mendieta, Batlle le dice de pronto: "Recuésteme un poco que estoy algo mareado." Lo que el moreno, al verlo desvanecido, llamó a la hermana capuchina Evelina, y acudieron su hijo César, que estaba en el cuarto de al lado, Surraco y Artucio. Alguien avisa a Arena. La hermana Evelina intenta reaccionarlo rezando y mirando atentamente, Surraco le dice: "No la oye, hermana, está muerto", a lo que ésta replica: "Sí me oye." Y Batlle la mira con una sonrisa y le dice: "¡Ah, hermana!". Fueron según ella sus últimas palabras.

Una multitud despidió al hombre que marcó una era en el país.




Fuentes: Crónica General del Uruguay. Washington Reyes Abadie y Tabaré Melogno
              Qué tupé. Diego Fischer
              http://elpais.com/diario/1984/03/25/sociedad/449017210_850215.html 
              Documental "EL Origen". Canal 12.
              http://www.rmu.org.uy/revista/25/1/2/es/7/ 


jueves, 1 de junio de 2017

Arquitectura Griega

ARTE EGEO

El arte arte Egeo se ha considerado como la introducción del arte griego, aunque sus relaciones con éste no están tan claras.
Es, junto con Mesopotamia y Egipto, el tercer gran foco de cultura anterior a la civilización helenística. 
Tiene a Creta como centro, y se extiende a la propia Grecia, islas del mar Egeo y las costas occidentales de Asia Menor, si bien su influencia se percibe en las culturas de todos los pueblos del Mediterráneo, y se va desde mediados del tercer milenio, hasta medidos del siglo XIII a.C., en el que desaparece súbitamente.
Según la clasificación de Evans, se divide en tres períodos minoicos: el minoico primero, época de formación que se extiende desde el 3400 al 2100 a.C; el minoico medio, del 2100 a 1530 a. C., al que corresponden los palacios de Knossos, Faistos y Hagia-Triada; y el minoico último, de 1580 a 1250 a.C., en que desaparece repentinamente.

En la arquitectura egea podemos considerar dos zonas: la cretense, representada por los palacios, y la continental o micénica, representada por el megarón, las tumbas de corredor con cúpula y las construcciones ciclópeas.

CRETA
Sus descubrimientos se deben principalmente a las excavaciones de Arthur Evans y las misiones francesas e italianas.
Al minoico medio corresponden los tres palacios característicos de la arquitectura cretense: Knosssos, Faistos, Hagia-Triada.

Partes de una columna

               Recreación del palacio de Knossos

Los cretenses adoptaron de Egipto el uso del pilar de sección cuadrada colocado sobre una basa plana, originariamente era de madera, y al hacerse de piedra era más estrecha en la parte inferior (tronco de árbol invertido) a veces sin basa y el capitel con gruesa moldura convexa, sobre el que descansa el ábaco cuadrado. Sobre éste corre el entablamento, con el friso decorado con medallones separados por recuadros.

El palacio estaba formado por complicados conjuntos de construcciones rectangulares, almacenes, dormitorios, salas de recepción, baños, etc., colocados asimétricamente en torno a un gran patio, rectangular, con columnas, casi siempre de madera sobre basas de piedra, y al que comunican directamente las grandes salas de recepción, con cubierta sostenida por gruesos pilares y en las que se sitúan el trono. Los palacios como todos los edificios, están revestidos exteriormente de estuco blanco y al inferior, de estuco blanco y rojo, con pinturas al fresco u ornamentación esculpida.

MICÉNICA
Las excavaciones de Heinrich Schiliemann dieron a conocer el arte micénico, en las ciudades de Troya, Micenas, Tirinto, Orcomenes, etc., ciudades rodeadas por murallas ciclópeas (enormes bloques), en contraposición al arte cretense, en que, basándose el poderío en una thalassocracia (poder del mar), no necesitaban murallas para defender sus ciudades.
En Micenas, aparecen las viviendas (megarón), al parecer origen del templo dórico, formada por una sala rectangular precedida de una antecámara y pórtico.
De esta zona, quizás lo más interesante sean las tumbas de corredor, formadas por un largo corredor que, a través de un pórtico adintelado con frontón agudo, comunica con una bóveda falsa, obtenida por aproximación de hiladas, y otra cámara adyacente, más pequeña, para el cadáver.











CARACTERÍSTICAS DEL ARTE GRIEGO
El arte griego se desarrolla entre los siglos VIII a.C. al II a.C.. influido por corrientes asiáticas, orientales y egeas, que son absorbidas y transformadas por un nueva concepción estética. El "nihil nimis" de Solón representa la más nítida y sucinta expresión del arte griego, clásico por excelencia, representado por la expresión de equilibrio, de la clara función  de los miembros arquitectónicos, la armonía y la belleza en las proporciones; la sutil modulación del plano, la moderación en las actitudes, la clara definición del contorno, el sentido de la medida, en la escultura. Elevan el conjunto hacia un ideal, del gusto estético del hombre mediterráneo occidental.
No obstante, el arte clásico griego se inicia con el aporte de las corrientes jónica y dórica.
La jonia, más femenina y vivaz, aporta la riqueza, el lujo y las proporciones esbeltas; la doria, sobria y robusta, aporta el sentido rígido de la ordenación, la severidad en las proporciones y en la decoración. Ambas han de ser genialmente sintetizadas en la escuela ática.

LOS PERÍODOS
En la arquitectura se distinguen varios períodos: arcaico (siglo VIII a primera mitad del siglo VI), época de iniciación de las primeras formas artísticas. En el siglo V a.C., el período clásico, se alcanza el máximo esplendor. Le sigue el siglo IV a. C. con las innovaciones que desembocan en el período helenístico, que difunde el espíritu helénico por Oriente, y que puede considerarse como acabado con la conquista de Corinto por Roma, en 146 a. C.

LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS
De acuerdo a las formas de las columnas y entablementos se logran distinguir tres órdenes en la arquitectura griega:
DÓRICO: El templo dórico se halla inspirado en el megarón prehelénico, una casa con una simple sala rectangular, abierta por uno de los lados menores y precedida de un vestíbulo con columnas, a la que se le añadió un pórtico en torno.
El el período clásico, el templo dórico se alza sobre una terraza o basamento con una serie de peldaños, llamándose estilobato al último peldaño, cobre el que descansa la columna dórica, sin basa, de fuste estriado (14 a 20 estrías), con aristas vivas y disminuida hacia arriba.
El estrágolo sirve de transición al capitel, formado por collarino, equino y ábaco, cobre el que descansa el entablamento. Este se halla constituido por el arquitrabe, que descansa sobre el ábaco del capitel, friso, dividido en metopas (recuadros aptos para ser decorados) y triglifos, formados por tres bandas vericales, que rematan por su parte inferior en gotas, y cornisa, tercero y último elemento del entablamento, con los mútulos, y rematando, en los frentes, por los frontones, con las acróteras para colocar figuras decorativas y tímpano decorado.

JÓNICOS: Se desarrolla en las costas jónicas e islas del mar Egeo. Más elegante y lujoso que el dórico con su rígida proporcionalidad.
Tiene una columna más esbelta, pero a diferencia de la dórica, ésta si tiene basa de dos tipos: el de Asia Menor, formada por un toro y varias escocias, y la ática, formada por dos toros y una o varias escocias intermedias entre dos filetes; el fuste, más esbelto, presenta mayor número de acanaladuras, que no presentan arista viva, y capitel, formado por dos volutas, cojinete y ábaco, ornamentados con ovas y flechas. El entablamento es menos alto; el arquitrabe con tres bandas lisas en resalte, que se denominan platabandas; friso, que a veces falta, decorado con relieves y cornisa, con dentículos y decoración de flecha y ovas.

CORINTIO: Aparece a fines de siglo V a. C. No constituye un orden de arquitectura, sino que es una variante del jónico, cuya principal diferencia era el capitel y en la mayor riqueza en la ornamentación. Hay dos tipos de capiteles: uno, formado por una serie de ocho hojas de acanto, de las que surge un segundo orden de hojas acuáticas, sobre las que descansa un ábaco cuadrado extremadamente fino, y otro, formado por dos series de hojas de acanto, superpuestas, de las que surgen ocho caulículos que forman dos volutas convergentes en cada ángulo y otras más pequeñas en los centros, sobre los que se colocan palmetas. descansando sobre ellos el ábaco ornamentado.

















EL TEMPLO
El templo griego está destinado exclusivamente a alojar la estatua de la divinidad. No está destinado a la congregación de fieles, por lo tanto, es de reducidas proporciones. Consta de una sala rectangular (naos o cella) donde está la imagen, un pórtico (pronaos) y, a veces una cámara en la parte posterior (opistogomos).

Hay distintos tipos de templos según el número de columnas colocadas al frente:  será tetrásilo (4), exástilo (6), octásilo (8) o decástio (10). En los lados mayores, el número de columnas suele ser igual al doble más uno del número de columnas colocadas al frente.
Si solo tiene pórtico en un frente, se llamará próstilo; si en los dos, anfipróstilo. Cuando está rodeado de columnas exentas, períptero; si son dos filas, díptero; cuando las columnas están adosadas en lods lados mayores, pseudoperíptero; circular con columnas, monóptero; careciendo de columnas, äptero. Sin cubierta, hípetro.

PERÍODO ARCAICO
En el período arcaico se distinguen dos órdenes fundamentales en la arquitectura griega: el dórico y el jónico.
TEMPLOS DÓRICOS: Se extienden por el Peloponeso, Creta, Tesalia, Sicilia e Italia meridional.
El templo primitivo, (siglos VII y VI a. C.) es de ladrillo y madera, que va siendo sustituida paulatinamente por la piedra que hereda sus formas. Ejemplo típico es el templo de Hera en Olimpia.
En la primera mitad del siglo V a.C. el templo dórico adquiere ya unas formas físicas, y cuyos ejemplos característicos son el templo de Poseidón, en Paestum, análogo y contemporáneo al templo de Zeus, en Olimpia, construido hacia 460 por Libón de Elea con la cella dividida en tres naves por dos series de columnas, y que cobijaba la famosa estatua criselefantina de Zeus, obra de Fidias.
Recreación templo de Zeus

Restos templo De Hera en Olimplia
TEMPLOS JÓNICOS: Se extienden por las costas jónicas del Asia Menor e islas del mar Egeo. Los Son ejemplares de los primeros tiempos los de Neandria, con columnas con capitel eolio, y los de Larisa y Lesbos, y el Tesoro de Sifnos, en Delfos, con friso con relieves y cariátides al frente, que sustituyen a las columnas.
Al siglo VI a.C. corresponden templos de proporciones gigantescas que se elevan en Jonia; son el de Artemision, de Éfeso (obra de Chersifonte de Creta y Metágenes), el Heraion de Samos y el Didymeion de Mileto, dípteros, cuyas colosales dimensiones imposibilitan la cubierta, siendo por tanto, híptero, salvo el edículo central, en la naos, que cobijaba la estatua de la divinidad.

PERÍODO CLÁSICO
CONSTRUCCIONES EN LA ACRÓPOLIS ATENIENSE: Los estilos dórico y jónico, que se desarrollaron independientemente y en zonas geográficas bien delimitadas, alcanzan sus mejores realizaciones en el siglo V a.C. con la hegemonía ateniense. Durante el esplendor de Atenas, su acrópolis se llena de los edificios más bellos del arte griego. Junto al Parthenón, obra maestra del dórico, se alzan las mejores obras del estilo jónico, como el Erecteion o el pequeño templo de Atenea Niké.

EL PARTHENÓN
Comenzado en el 447 a.C y terminado hacia el 437 a.C. Sus arquitectos fueron Ictinos y Callicrates. Es un templo dórico, octástilo, períptero, con cella precedida de un pórtico exástilo y dividida en la naos propiamente dicha, donde se hallaba la estatua de oro y marfil Atenea (diosa patrona de Atenas), obra de Fidias, en teoría con columnas en torno, y al fondo el opistodomos o sala de las vírgenes, que da nombre el templo.
Construido con mármol extraído del monte Pentélico, colocados sin argamasa alguna, reforzados a veces por grapas de metal. El Parthenón es un ejemplo de la maestría que alcanzaron los arquitectos griegos en la construcción de templos; en él, para efectos visuales, ni los entablamentos ni el basamento son rectos, sino ligeramente convexos; los intercolumnios no mantienen siempre las mismas distancias ni las columnas son todas de las mimas dimensiones, sino que las de los ángulos son más gruesas.
La decoración escultórica se extendía por frontones, metopas y por inspiración jónica, en e friso corrido en el exterior de la cella.





















LOS PROPILEOS
Es el edificio más original de la arquitectura dórica del siglo V a.C. Construido entre 437 y 432 por el arquitecto Mnesicles, consta de dos  pórticos unidos, dórico el exterior y jónico en el interior, con seis columnas por cada lado, comprendiendo el plan dos grandes alas, flanqueando el pórtico orienta y otras dos pequeñas el occidental, que no llegaron a ejecutarse. Una de las alas mayores se destinó a Pinacoteca.









TEMPLO DE ATENEA NIKÉ
Pequeño templo tetrástilo de proporciones elevadas, magnífico ejemplar del orden jónico. Construido por Callicrates, dedicado a la Victoria Aptera ateniense.











EL ERETEION
Obra maestra del jónico. Por la complejidad lo hace una excepción entre los templos griegos. Construido entre 420 y 407 a.C. por el arquitecto Filocles teniendo en cuenta el fuerte desnivel del terreno. Dedicado a tres divinidades (Atenea, Poseidón y Erecteo) en su lado oriental hay un pórtico exástilo, núcleo principal al que se añaden, al norte, un pórtico tetrástilo, núcleo principal, y al sur, la célebre tribuna de las Cariátides. Junto a él estaba el Pandroseaum, donde estaban los olivos sagrados.










EL TESERION
En la parte baja de la Acrópolis, dedicado a Hefaistos. Contemporáneo del Parthenón, pero de otros arquitectos. Dórico, exástilo y períptero, con friso corrido en la pronaos y opistodomo.

OTRAS CONSTRUCCIONES FUERA DE ATENAS: A fines de siglo aparecen las primeras manifestaciones de corintio en el templo de Bssae y el tholos de Delfos, con diez columnas corintias adosadas a la pares interior, colocadas sobre un alto zócalo de calcárea negra. Pertenecen a este estilo el tholos de Epidauro y el monumento corágico de Lisícrates, en Atenas, obra del siglo IV a. C. Fuera de Atenas, tienen una importancia capital los numerosos edificios que se construyeron en los principales santuarios, como los de Olimpia, Delfos, Eleusis, Epidauro y Delos.

CONSTRUCCIONES CIVILES
El teatro griego aprovecha las condiciones naturales del terreno, acomodando las gradas para el público en la pendiente de una colina, y entorno a la orchestra, circular para las evoluciones del coro, y al fondo, la escena con su proskenión, y la skená propiamente dicha, con decoración arquitectónica fija, como en los teatro de Epidauro, Dionisios y Megalópolis.
Quedan vestigios de otras construcciones para reuniones, como el Telesterion, de Eleusis, formado por una sala cuadrada con gradas solo en tres lados, y en cuarto, tribuna de la que parten series de columnas divergentes que sostienen la cubierta.

PERÍODO HELENÍSTICO
Aquí el centro arte griego se desplaza hacia las nuevas capitales del helenismo. La conquista de Oriente modifica el espíritu griego, se tiende hacia las concepciones grandiosas, al colosalismo en las proporciones, al lujo ornamental. El orden dórico se va abandonando por su extremada severidad. Se emplea en ocasiones el capitel corintio con entablamento dórico. Aun el propio capitel corintio se enriquece colocando en los ángulos de figuras animales. Se adopta tipos orientales para ornamentar, como el capitel palmiforme. En la cubierta se emplea en algunas ocasiones (edificios octogonales y circulares) la bóveda.

Entre los grandes templos construidos se destacan: el de Zeus, al pie dela acrópolis ateniense, de más de cien metros de longitud, comenzado en el siglo II a.C. y que no habrá de terminarse hasta tiempos de Adriano. En Jonia se emprende asimismo la construcción de grandes templos, como el Didymeion, extremadamente decorado.
Pero, son quizás los conjuntos urbanístico lo más interesantes. Concebidas en grandes proporciones, se erige las grandes ciudades helenísticas con un plan preestablecido, con tipos de casa que luego adoptarán por Roma; grandes plazas rodeadas por pórticos con columnas, en unos casos para esparcimiento, y en otros para el comercio. Algunas ciudades helenísticas se distinguían por sus monumentos: Pérgamo, por sus palacios y santuarios, entre los que destacaban el gran Altar de Zeus, con pórtico jónico tetrástilo en la parte superior y el gran podium, con la Gigantomaquia en la parte inferior; y Alejandría por su gran torre del faro a la entrada del puerto, erigida en 280 y conocida por sus múltiples descripciones y reproducciones en monedas.
Recreación Altar de Zeus en Pérgamo




Fuentes: Historia del Arte 11a edición. José María de Azcarate
               http://apuntesdehistoriauniversal.blogspot.com.uy/2012/12/sir-arthur-evans-y-el-palacio-de-cnosos.html
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